Marta AMICO (martamico@hotmail.com)
La ‘musique touarègue’ face au marché occidental. Enjeux de la commercialisation de trois groupes par la World Music [La ‘musica tuareg’ e il mercato occidentale. La commercializzazione di tre gruppi nel quadro della World Music]

ABSTRACT. Dalla fine degli anni Novanta, la diffusione dell’etichetta commerciale della world music ha trascinato sulle scene occidentali alcuni gruppi musicali tuareg provenenti dalle zone desertiche di Mali e Niger. Primi a varcare i confini locali sono stati i Tartit, formatisi nel 1995 in seguito alla richiesta di un operatore belga, che ne programmò la prima tournée europea. Nel 1999 è stata la volta dei Tinariwen, creatori negli anni ’70 di uno stile originale chiamato ishumar. ‘Scoperto’ in Mali da un manager francese, il gruppo è stato trasformato in una sorta di pop band e portato in tournée in tutto il mondo. Nel 2006, il sodalizio tra il produttore francese Dan Levy e il musicista tuareg Moussa Ag Keyna, residente da anni a Parigi, ha fatto infine nascere i Toumast, difensori in Europa dell’identità tuareg minacciata. L’espressione artistica tuareg - strettamente legata al processo di modernizzazione della società attraverso una storia travagliata di ribellioni al dominio coloniale francese e agli stati nazionali - è entrata così a far parte di un circuito ‘globalizzato’, governato da meccanismi inediti per una musica fino ad allora legata a un contesto strettamente locale. Perché il loro ‘prodotto’ funzioni sul mercato, i musicisti si trovano così a dover accettare una serie di negoziazioni riguardanti materia musicale, immagine e strategie di diffusione, in un processo di adattamento condotto da esperti del settore che fungono da intermediari tra musicisti e contesto occidentale (p. es. manager, addetti stampa, giornalisti e responsabili di case discografiche). Tenendo presente le implicazioni prodotte sul piano sociale, economico e identitario dalla de-contestualizzazione della musica e dalla sua ri-contestualizzazione nel circuito occidentale, il lavoro analizza tale processo di ridefinizione focalizzandosi su tre aspetti cruciali: 1) le conseguenze culturali del colonialismo e della decolonizzazione nei territori tuareg, con la nascita dello stile ishumar e l’introduzione della chitarra come strumento di emancipazione e ribellione; 2) l'esame della materia musicale e delle sue trasformazioni in seguito alla commercializzazione (sonorità, lunghezza dei brani, strumenti, tecniche di registrazione…); 3) il discorso mediatico costruito intorno alla ‘musica tuareg’, attraverso l’analisi di vari articoli giornalistici comparsi all’uscita dell’ultimo album dei Tinariwen (2007).


Alessandro BRATUS
Strutture narrative e formali nei concept-album dei Pink Floyd dal 1973 al 1983
(tesi quadriennale, 2003)

ABSTRACT. La tesi propone un approccio analitico a un genere della popular music, il concept-album, sviluppatosi in Inghilterra negli anni Settanta, per quanto riguarda la ricerca formale, sotto l'influsso sperimentale del progressive rock. In questo contesto i Pink Floyd mantengono una posizione eccentrica, utilizzando tale forma compositiva ininterrottamente per un decennio, fino ad arrivare a risultati di coerenza drammaturgica notevole, che comprende nella maggioranza dei casi diversi media (disco, live, film). L'analisi presentata ha lo scopo di ritrovare, a diversi livelli analitici (testuale, narrativo, macro- e micro-formale), i motivi ricorrenti di unificazione presenti negli album presi in esame, al fine di delineare un'evoluzione che percorra il decennio di produzione discografica del complesso tra gli anni Settanta e Ottanta e definire il tipo di drammaturgia musicale proposta al pubblico.


Alessandro BRATUS (alessandro.bratus@gmail.com)
The Basement Tapes di Bob Dylan & The Hawks: trascrizione e analisi
(tesi di Dottorato, 2009)

ABSTRACT. Posizionati in un momento cruciale della produzione di Bob Dylan, a cavallo tra la tradizione del folk-revival e il suo passaggio alla musica “elettrica”, i Basement Tapes (BT) offrono un punto di vista privilegiato per comprendere le principali cifre stilistiche della sua musica. Ispirati sia a precedenti folklorici che per primi avevano segnato la carriera di Dylan, sia al panorama contemporaneo della canzone americana, i BT sono il prodotto di una sintesi fra elementi passati e presenti. Partendo dal contesto storico di riferimento, il lavoro si è sviluppato tramite l’analisi di quattro canzoni, ciascuna paradigmatica di un particolare aspetto del repertorio dei BT in generale. Vengono in questo modo affrontate questioni quali il rapporto con i precedenti folklorici e non, la visione ideologica sottesa alle registrazioni, il processo compositivo. Il primo volume del lavoro contiene il testo vero e proprio della tesi, ed è affiancato da un secondo volume che raccoglie le trascrizioni dei brani analizzati e le schede analitiche sintetiche di tutte le canzoni originali del repertorio. A partire da questa base di dati è possibile sostenere che i BT rappresentano un insieme coerente e coeso di canzoni.

INDICE
Volume I
Introduzione
I. Il contesto storico dei Basement Tapes di Bob Dylan & The Hawks
II. Metodologia analitica
III. Apple Suckling Tree: analisi
IV. Clothesline Saga: analisi
V. Lo And Behold: analisi
VI. Tears Of Rage: analisi
Conclusioni
Bibliografia

Volume II
Trascrizioni:
Apple Suckling Tree #1
Apple Suckling Tree #2
Clothesline Saga (Answer To Ode)
Lo And Behold #1
Lo And Behold #2
Tears Of Rage #1
Tears Of Rage #2
Tears Of Rage #3
Schede analitiche
Bibliografia, Discografia, Bibliografia selezionata su Bob Dylan e The Band
Indice alfabetico schede analitiche


Tristano PALA (trispala@tiscali.it)
Clones Of Dr. Funkenstein: un’analisi musicologica del funk in George Clinton
(tesi triennale, 2008)

ABSTRACT. Espressione linguistica di ambiguo e ambivalente significato (le prime attestazioni scritte risalgono agli inizi del XIV secolo), il termine 'funk' viene accostato all’ambito musicale a partire dagli anni ’50 all’interno del jazz cosiddetto hard-bop, e giunge ad identificarsi con un preciso scenario musicale afro-americano nei successivi decenni, modificandosi in senso sempre più ampio e aggiornando il suo linguaggio fino ad arrivare ai nostri giorni. La parabola artistica di un personaggio come George Clinton (che ha inizio sul finire degli anni ’50 e prosegue ancora oggi)e delle sue due principali band Parliament e Funkadelic esemplifica bene il fenomeno, insieme ideologico/filosofico e musicale.
La tesi si articola in tre sezioni distinte. La prima è dedicata ad una breve storia del funk, con particolare attenzione all’etimologia del termine e all’evoluzione del significato. La seconda è centrata sulla figura di George Clinton, dal punto di vista biografico, discografico e ideologico/concettuale. La terza sezione, di dimensioni più ampie, verte sull’analisi musicologica dettagliata dell’album 'Clones Of Dr. Funkenstein' (1976), prendendo in considerazione ogni brano secondo cinque parametri: esecutori, struttura del pezzo, armonia e ritmo, voci e testo, sound generale. Il lavoro è completato da alcune conclusioni, dalle trascrizioni musicali dei passi più significativi, dalla discografia essenziale e da alcune interviste all’autore tradotte in italiano.
(NOTA: la versione integrale della tesi è disponibile sul sito http://www.musicaemusiche.org)
KEYWORDS. George Clinton, funk, Clones Of Dr. Funkenstein, musicologia, popular music.


Anita PELAGGI (anitapiano@yahoo.it)
Forme e generi della musica popolare mestiza in Messico (tesi specialistica, 2007)

ABSTRACT. Il lavoro fornisce un panorama della musica popolare messicana individuando al suo interno l’ambito mestizo, ossia quella musica che, diffusa in tutto il territorio nazionale, il popolo messicano canta e incorpora tutt’ora nel proprio repertorio. Dopo un’introduzione che esamina il concetto di mestizo, il primo capitolo fornisce un’introduzione storica alla musica messicana individuando tre principali periodi: 1) dalla conquista all’indipendenza (1521-1810); 2) dall’indipendenza alla rivoluzione messicana (1810-1917); 3) il XX sec. Il secondo capitolo è dedicato interamente agli strumenti musicali mestizos, con la descrizione delle caratteristiche di alcuni di essi e particolare attenzione dedicata ai cordofoni, classe largamente predominante nei generi popolari in questione.I restanti capitoli costituiscono il nucleo centrale della ricerca e riguardano l’analisi delle forme e generi della musica popolare mestiza, quali son, canción e corrido. Il son è genere strumentale che predilige strumenti a corda e incorpora il canto e la danza, caratterizzato da diverse varianti regionali (gli specialisti distinguono in Messico sette stili regionali di sones, ciascuno con forme, strumentazione e lirismo propri). Il capitolo include la trascrizione e l’analisi di alcuni esempi di questo genere. La canción è una forma cantata che non prevede l’accompagnamento del ballo e in cui la melodia predomina sul ritmo, di cui esistono pure diverse varianti. Il corrido è una forma di ballata narrativa affermatasi soprattutto durante la rivoluzione (1910-20). Di forma semplice, presenta una musica sostanzialmente funzionale al contenuto del testo e può essere accompagnato anche dalla sola chitarra. In oltre un secolo di vita, il corrido ha continuato a fungere da veicolo di propaganda politica e critica sociale fino agli anni recenti, in cui si è verificata la diffusione del cosiddetto narcocorrido.


Anita PELAGGI (anitapiano@yahoo.it)
Musica messicana a Roma: il gruppo mariachi ‘Romatitlán’ (tesi triennale, 2004)

ABSTRACT. Scaturito da un profondo interesse per la musica messicana, la tesi si è posta come fine quello di contribuire a una maggiore conoscenza non solo del mariachi (la formazione internazionalmente più nota della musica popolare messicana), ma soprattutto dell’attività svolta in Italia e in Europa dal gruppo mariachi ‘Romatitlán’, residente a Roma. La prima parte è focalizzata sull’evoluzione del genere mariachi: sorto nei contesti rurali messicani, il mariachi tradizionale si è trasformato progressivamente con il fenomeno dell’urbanizzazione, per divenire con il cinema degli anni Quaranta simbolo identificativo del Messico (m. moderno). L’evoluzione ha prodotto sostanziali trasformazioni nel repertorio (con l’assimilazione di altri generi tradizionali di musica latino-americana e della canzone di consumo) e nella fisionomia di questi insiemi, che sono passati da formazioni ridotte, tipiche di gruppi occasionali e ‘di strada’, a vere e proprie orchestre concepite per l’esclusiva esibizione spettacolare. Alla luce di quest’evoluzione, vengono esaminate caratteristiche tecniche e sonore degli strumenti mariachi e delle specifiche forme musicali folkloriche che ne caratterizzano il repertorio. La seconda parte è interamente dedicata al gruppo mariachi ‘Romatitlán’, formazione che svolge un’intensa attività spettacolare a livello italiano e internazionale, partecipando a molteplici eventi culturali e festival (fra i quali il famoso raduno delle orchestre mariachi nel mondo che si tiene ogni anno a Guadalajara). Questa sezione ricostruisce la storia del gruppo e ne fornisce una descrizione e analisi del repertorio e delle attività spettacolari (in particolare del suo balleto folklorico) attraverso l’osservazione diretta e le testimonianze fornite da Fernando Hernández e Domenico Pasquini, rispettivamente vihuelista e trombettista del gruppo.


Dario RANOCCHIARI (dariorana@hotmail.com)
"Musica pra pensar": rap e identità afrolusitana alla periferia di Lisbona
(tesi quadriennale, 2004)

ABSTRACT. Il lavoro, basato in una ricerca sul campo di tipo etnografico, analizza le forme in cui il rap portoghese e in particolare la sua componente più politicamente impegnata funziona a) come catalizzatore dell'identità per i giovani figli di migranti africani, b) come discorso sociale nell'immaginario nazionale sulla "nuova" multiculturalità portoghese. Per farlo, si concentra sul rapper afrolusitano Chullage, che ha pubblicato due album con etichette multinazionali e al contempo svolge lavoro sociale in una associazione giovanile (da lui fondata) nel quartiere periferico dove vive. Incrociando l'immagine pubblica di Chullage e la vita quotidiana nell'associazione, il lavoro mostra come l'articolazione di un'identità afrolusitana (che rivendica una filiazione ideologica con l'idea di afroamericanità) si giochi tra i due estremi del bairro (la specifica comunità locale) e della nazione (le rappresentazioni sociali su scala nazionale). I capitoli 2 e 4 si occupano delle "due facce" della ricerca sul campo: il primo, l'associazione "Khapaz" e i concerti di Chullage a cui si sono recati i suoi membri; il secondo, le retoriche utilizzate nei due album pubblicati da Chullage. Il capitolo 1 presenta invece una breve storia del movimento hip hop portoghese, inquadrandolo nel complesso delle dinamiche culturali lo hanno fatto uscire dagli USA per radicarsi nelle realtà locali dove è giunto. Ed è proprio la natura del radicamento del rap tra i figli di migranti africani in Portogallo l'oggetto del capitolo 5, che intesse un fitto dialogo con il primo. Il capitolo 3 descrive invece il ruolo ricoperto dalle tecniche di produzione del rap (soprattutto il sampling) nella determinazione del suo "impatto sonoro".


Martina SEGURO (martina.seguro@yahoo.it)
Parole e musica nell’opera di Fabrizio De Andrè . Un’analisi di 'Anime Salve'
(tesi triennale, 2008).

ABSTRACT. Il lavoro studia la produzione di Fabrizio De André privilegiando il punto di vista musicologico, e mirando a offrire così un contributo alla conoscenza dei meccanismi di rappresentazione musicale dei testi verbali messi in atto da De Andrè. Si parte da una panoramica dei suoi dischi, dai primi 45 giri (1958) all’ultimo LP 'Anime salve' (1996), per focalizzare il discorso sulle canzoni di quest’ultimo album secondo due chiavi di lettura, quella relativa all’analisi testuale e quella relativa all’analisi più strettamente musicale. Sono così evidenziati tre temi che permettono di porre in risalto questioni di primaria importanza per l’intera produzione del cantautore. Il primo è quello relativo al rapporto tra musica scritta ed esecuzione finale. De André non ha mai scritto vere partiture per le sue musiche, o se lo ha fatto, ha realizzato lavori per così dire “incompiuti” o comunque non definitivi: dunque le musiche da lui lasciate non sono altro che tracce e come tali devono essere analizzate. Il secondo tema è quello relativo al percorso evolutivo dell’artista, tracciato analizzandone la produzione e individuando alcune fasi fondamentali a partire da tre album, 'Volume I' (1967), 'Storia di un impiegato' (1973) e 'Anime salve' (1996). Da questi lavori sono tratte alcune canzoni che vengono analizzate in dettaglio, ricavandone delle tabelle e degli spartiti. Il terzo tema è quello relativo al variare della strumentazione, dalla relativa economia di mezzi dei dischi del primo De André (il più delle volte una voce narrante accompagnata dagli arpeggi della chitarra) a un progressivo ma coerente aumento del numero di strumenti presenti nei dischi della seconda e della terza fase, fino ad 'Anime salve', dove si contano ben 48 strumenti diversi.
(NOTA: la versione integrale della tesi è disponibile sul sito http://www.musicaemusiche.org )


Jacopo TOMATIS (jacotomatis@gmail.com)
Cantautori 1958-1967: ideologia di un genere musicale (tesi triennale, 2007)

ABSTRACT. A cavallo tra i ’50 e i ’60 in Italia si definisce con contorni piuttosto precisi un nuovo genere musicale, quello dei ‘Cantautori’. Lo studio si propone analizzare la genesi di tale genere e di delinearne le norme (sociali, tecnico-formali…) che ne garantiscono la progressiva strutturazione nella mentalità comune. Fonte principale, dovendo studiare la genesi del neologismo ‘cantautore’ (coniato nel 1960) e parallelamente il concetto ad esso collegato, sono stati i media che negli anni dal 1958 in poi si occupavano di ‘musica leggera’, in particolare i settimanali Sorrisi e Canzoni e Il Musichiere e i mensili Musica & Dischi, Il Disco e Discoteca, oltre a occasionali fonti da giornali quotidiani, televisive o note di copertina di 45 giri e LP. Oltre che dettata dalla particolare natura del lavoro (che intende documentare un processo culturale nel suo svolgersi), la scelta delle fonti è stata obbligata dall’assenza di una bibliografia critica sull’argomento. Si è così proceduto alla schedatura e alla riproduzione digitale degli articoli di interesse, anche visto lo stato di deterioramento e la rarità delle collezioni utilizzate. La ricerca delle origini del neologismo ha permesso di pre-datare di alcuni mesi la nascita della parola ‘cantautore’ e di reperire quella che è -ad oggi- la prima occorrenza del termine (lo conferma la grafia ancora oscillante del termine, “Il Cantautori”, riferito a una specie di spettacolo itinerante con cantanti-autori). Tale scoperta mette in dubbio che il termine sia stato inventato in ambiente RCA per definire i cosiddetti cantanti-autori, come sostenuto pressoché da tutti i testimoni e gli studiosi. Analizzando l’uso della nuova parola in rapporto ai vari cantanti dell’epoca e l’opera dei principali tra essi (Modugno, Bindi, Paoli, Gaber, Endrigo, Tenco, De Andrè - senza dimenticare Gianni Meccia e altri dimenticati ‘cantautori’), si è cercato di pervenire a una definizione delle norme che portavano al riconoscimento del cantautore. Schematicamente, la percezione da parte del pubblico dell’autorialità; il riconoscimento della sincerità del cantante da parte della comunità; un certo atteggiamento riformista verso la canzone tradizionale. Queste tre norme appaiono strutturate da una quarta norma, senz’altro controversa: la qualità. Nella definizione di cantautore è implicato un riconoscimento estetico che appare fortemente ideologico, giustificando, almeno per il caso qui trattato, la possibilità di parlare di ideologia di un genere musicale.